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Las imágenes del Crucifijo de Arezzo (autor: Mari27454) se usan bajo licencia Creative Commons Attribution ShareAlike. El resto de imágenes utilizadas proceden de fuentes de dominio público.

Pintura Gótica en Italia

Introducción

La arquitectura gótica va a determinar las composiciones de la pintura en la Italia del siglo XIII. Al sustituir los grandes muros donde antes se disponía la pintura mural, por amplios ventanales hace que la pintura deba tomar otras vertientes dependiendo de la demarcación geográfica en la que se lleve a cabo.

Mientras en el resto de Europa se va imponiendo la pintura sobre tabla, generalmente en retablos sobre el altar, en Italia aún se continúa utilizando la pintura mural. Los nuevos palacios Ducales, como el de Siena,  hacen que la pintura salga del ámbito eclesiástico y se imponga en la vida civil.

Existe en el mundo de la historiografía del arte la tesitura de denominar esta pintura italiana como Gótica o como precursora del Renacimiento, nosotros tomaremos como buena la denominación de Gótico Italiano pues es la más extendida en los manuales consultados.

Giotto: Detalle de la Historia de San Franciaco en la Basílica de Asís

Iniciado el siglo XII, a la vez que se desarrollaba el llamado estilo del gótico lineal en países  como Francia o Inglaterra, en Italia se imponía un modo diferente. En el gótico lineal la importancia principal reside en el dibujo que limitan a los vivos colores.

En ellos interesaba más la vivacidad del pigmento que la degradación del color en función de la luz. Se intenta realizar un arte amable y sencillo, sin mayores pretensiones estilísticas que la belleza del dibujo y vivacidad del color. Ejemplos de este tipo de pintura serían las vidrieras y miniaturas de la Catedral de Chartres.

Sin embargo en Italia la influencia bizantina va creando ya en el Duecento unas formas que se concretaran en las escuelas sienesa y florentina cuyo esplendor máximo será el siglo XIV. Las características principales de esta pintura son la preocupación por la representación de la profundidad, lo cual nos conduce a la búsqueda de la perspectiva clásica.

Giotto: Última Cena en la Capilla Scrovegni (Padua)

Con respecto a la figura humana se comienzan a realizar estudios anatómicos del natural y se incluyen en las pinturas los estados anímicos. Es importante igualmente el valor dado a la luz como determinante en la matización de los colores en sus tonos y gamas cromáticas.

Duecento

Giunta Pisano

En el siglo XIII, se inicia el periodo denominado Duecento, destacando la escuela toscana. El mayor representante de este periodo será Giunta Pisano. Nacido en la ciudad de Pisa en torno a 1180 desarrolló su obra desde 1202 a 1235 siendo la zona de la toscana su mayor foco de atención, aunque llegó a pintar en la ciudad de Bolonia.

Especializado en grandes pinturas de crucifijos, crea un modelo de Cristo muy estilizado y con la cadera muy ladeada. El Cristo  se encarama en una ancha cruz en cuyas terminaciones se representa escenas marianas o de san Juan Bautista.

Giunta Pisano: Crucifijo para la Iglesia de San Domenico de Bolonia

La influencia de Bizancio es innata en sus crucifijos, pareciendo estas representaciones marianas, auténticos iconos. Las cruces no quedan lisas sino que se llena de entramados decorativos sobre los que parece apoyarse el cristo. 

La técnica utilizada por el maestro pisano era la tela estirada sobre la madera con una preparación de yeso anterior a la pintura. Vecina a Pisa existió la escuela de Lucca con crucifijos pintados y la obra del taller de los Berlinghieri, con Cristos realizados según los cánones bizantinos.

Retablo de San Francisco, Escuela de Giunta Pisano, (Pinacoteca Vaticana)

El retablo toscano constituye una variante especial a los retablos europeos, ya que el tamaño de las escenas es mayor y más ordenado. El centro está ocupado completamente por la figura del santo al que se dedica, permitiendo la lectura de las imágenes por el fiel, lo cual entronca de nuevo con la intención renovadora de aproximar la doctrina a los creyentes.

Existió otra escuela de Roma de la que destacan los mosaicos de Jacopo Torriti en la iglesia de Santa Maria la Mayor, en los que se representa la Coronación de la Virgen.

Jacopo Torriti. Coronación de la Virgen en la bóveda absidal de Santa María la Mayor (Roma)

En pintura, Pietro Cavallini desarrolló un magnifico Juicio Final en la Iglesia de San Cecilia en el Trastevere, a la vez que destacó en la técnica del mosaico en obras como las Historias de la Virgen de Santa María también en el Trastevere.

Trecento

Culturalmente el Trecento es un siglo privilegiado que contó con los primeros nombres reconocidos como genios: Dante, Petrarca, Giotto o Duccio son algunos de ellos. Sus producciones marcan un espíritu nuevo que pone al hombre y su voluntad en el eje de la creación artística.

La técnica utilizada en la Italia del Trecento es el temple, en el que se utiliza huevo como aglutinante de los colores. En algunas ocasiones se utilizaba cola obtenida de los huesos de animales. Será con la pintura holandesa, en el siglo XV, cuando se comience a utilizar la técnica del óleo, con el aceite como aglutinante.

Cimabue

El precursor de este periodo y con ello intermediario con la corriente del Duecento fue el florentino Giovanni Cenni di Pepo, más conocido como Cimabue (1240 - 1302). Suele ser considerado como uno de los fundadores del arte moderno y se cree que fue el maestro de Giotto.

Cimabue: Cricifijo de Santo Domingo de Arezzo

Se hallaba en Roma en el año 1272 con seguridad y pudo haber recogido la influencia de la corriente clásica representada por Cavallini. Estos pintores de murales y creadores de mosaicos estaban particularmente interesados en conseguir un mayor naturalismo en sus obras y quizás Cimabue compartiese esta preocupación.

Aunque Cimabue fue un pintor de estilo bizantino, intentó liberarse de la imagen plana tradicional de la pintura de iconos. Con ello dio los primeros pasos en busca del realismo que ha desempeñado un papel tan importante en la pintura occidental.

Cimabue: Majestad de Santa Trinità (Florencia)Su obra más conocida es la Maestá, que originalmente estaba en el altar de la iglesia de Santa Trinita, en Florencia, y que se encuentra ahora en el Museo de los Uffizi. La palabra Maestá significa «majestad», y se utilizaba para hacer referencia a las pinturas de la Virgen y el Niño en las que María está sentada en un trono rodeada de ángeles.

Posee una gran dulzura y dignidad, sobrepasando en contenido emocional a las figuras rígidas y estilizadas de los iconos bizantinos. El tratamiento de la suave textura de los tejidos y el espacio tridimensional creado por el taraceado del trono en el que están sentados la Virgen y el Niño constituyen novedosas técnicas.  En la parte inferior hay cuatro figuras bíblicas, simbolizando la fundación del reino de Cristo: los profetas Jeremías e Isaías bajo los arcos laterales, Abraham y el rey David en el centro.

Una de las pocas obras de la que hay documentos que atestigüen que fue realizada por Cimabue es una representación de San Juan que forma parte de un mosaico en el ábside del Duomo de Pisa, en cuya realización se hallaba trabajando en 1302.

Giotto di Bondone

El entorno en el que vivió Giotto fue muy activo desde el punto de vista artístico, religioso y filosófico, en una época de profundas transformaciones. A él se le atribuye el mérito de ser el creador del cuadro con significado propio y el precursor de los estudios de la naturaleza y el espacio que más tarde daría lugar al Renacimiento. 

Giotto: Retrato de Dante en la Capilla Barghello de FlorenciaFue contemporáneo de Dante, quien lo cita en "La Divina Comedia" (Purgatorio XI, 94-6)

'Oh vana gloria del ser humano -Créyose Cimabue de la pintura ser el señor- pero hoy domina Giotto y la fama de aquél es hoy oscura'

Otro de los escritores de la época, Boccaccio, en su Decamerón,  lo alaba sólo 20 años después de su muerte con estas palabras:

'Giotto fue de tan excelso ingenio que con el punzón y los pinceles reprodujo tan exactamente las cosas de la naturaleza, que su obra no parece imitación, si no la natura misma; y a tanto llegó su arte que muchas veces los hombres se equivocaban, estimando por real lo que era artificio de la pintura'

Como ya hemos apuntado, las características de la obra de Giotto hacen que sea el iniciador de la pintura moderna. Su inspiración viene del natural directamente, ayudándole este hecho a romper con la estilización y hieratismo bizantinos.

La solemnidad de la figura humana se destaca a través del estudio anatómico y los estados anímicos de sus personajes. Todo ello representado en la dominación del espacio y con una luz que afecta tanto a la composición como al cromatismo de las tonalidades pictóricas.

Giotto: Madonna di Ognissanti (Galería de los Uffizi,  Florencia)

Según la crónica de Vasari, Giotto nació en 1277 norte de Florencia, en el valle de Mugello, en la aldea de Vicchio, sin embargo otras fuentes apuntan a 1267 como año de nacimiento. Parece ser que sus primeros pasos como artista los dio con Cimabue, entre los diez y catorce años de edad, siguiendo a su maestro hasta la iglesia de san Francisco de Asís.

Cimabue fue el encargado de las pinturas de la Basílica superior y a su marcha llegaron de Roma otros talleres como los de Jacopo Torriti, lo cual hizo que comenzaran a trabajar varios talleres a la vez. Al cabo del tiempo Giotto comenzó a dirigir su propio taller.

Basílica san Francisco de Asís

El ciclo de frescos que Giotto desarrolla en la basílica superior dio a la pintura el primer ciclo narrativo sobre la historia de un santo. Las primeras pinturas fueron las referentes a los padres de la iglesia que represento en los plementos de la bóveda. En ellos ya observamos las características como la concepción espacial, la plasticidad, la riqueza en detalles, y la caracterización de la naturaleza en los personajes.

Giotto: Escena de la Historia de San Francisco en la Basílica de Asís

Poco tiempo después de haber terminado con los niveles superiores de paredes y bóvedas comenzaron los del nivel inferior de las paredes de la nave central. A petición de la orden franciscana en éstos se debía representar, a modo de friso, la historia y evolución del santo fundador.

Una de las escenas representa el pasaje de La donación de la capa, en la que san Francisco entrega a un pobre una costosa capa dorada. La escena se desarrolla ante dos alturas rocosas en cuyas cimas se alzan dos tipos de arquitectura muy diversa, una monacal y la otra civil, con la contraposición que ello suponía. Las laderas de las montañas convergen detrás del santo lo cual acentúa su posición tanto en el cuadro como en la vida.

Giotto: escena de la donación de la capa  de San Francisco, (Basílica de Asís)

Capilla Scrovegni Padua

Si en la Basílica de Asís Giotto desplegó sus primeras nociones en la revolución de la pintura, será en la Capilla Scrovegni de Padua (1302-1305) donde su arte alcance su mayor esplendor.

El paduano Enrico Scrovegni planificó la construcción de un palacio con una capilla aneja. De este proyecto sólo se conserva la capilla de una sola nave que Giotto colmó de pinturas al fresco. La bóveda de la nave está cubierta por un cielo azul oscuro sembrado de estrellas, mientras que sus paredes están divididas por bandas ornamentales a modo de friso.

Giotto: Juicio Final en la Capilla Scrovegni (Padua)

En el muro oeste de la capilla Giotto reprodujo el tema del Juicio final, siendo su promotor uno de los representados entre los bienaventurados. Las aspiraciones de Giotto por crear una nueva forma de representar la imagen, los personajes y el espacio en relación a la superficie pictórica se ven colmadas en esta gran obra.

Tomaremos como escena destacada la escena de la Visitación de Maria (1302-1305) a su prima Isabel. En la imagen se disponen la virgen encinta que junto a dos acompañantes visitan a Isabel, embarazada de San Juan Bautista. Giotto acentúa el abrazo de ambas mujeres ante el pórtico mediante un intercambio de miradas cómplices, lo cual humaniza a las dos primas.

Giotto: Escena de la Visitación en la Capilla Scrovegni (Padua)

Bajo este fresco parece abrirse la pared adornada con mármol pintado, Giotto pretende hacernos ver una capilla con bóveda de crucería y una estrecha ventana con parteluz. Una lámpara cuelga de la clave de la bóveda lo cual muestra una profundidad ilusionista creando con ello un espacio ficticio.

Escuela Sienesa

Duccio: detalle de la Madonna RucellaiLa escuela Sienesa del Trecento se inicia con Duccio di Bonsegna fuertemente influenciado por los modelos bizantinos. El tema recurrente de su obra es la Madonna en Maestá que ya había desarrollado Cimabue y Giotto. La Maestá de la Catedral de Siena representa en su anverso la virgen con el niño en las rodillas, aparece entronizada y rodeada de un concierto de ángeles que sustentan su preciosista trono.

En el reverso se desarrollan temas evangélicos en los que la influencia decorativa bizantina es la inspiración de Cimabue. Para la  iglesia de Santa Maria Novella se realizó la Madonna Rucellai de similares características y que en la actualidad se encuentra en la Galería Uffizi de Florencia.

Simone Martini, nacido en Siena en 1284 y fallecido en Aviñón en 1344, fue uno de los más importantes pintores de la escuela sienesa. En 1315, el Comune de Siena decidió decorar una de las salas del Palacio público con la imagen de la patrona de la ciudad: la Virgen. Para ello  Simone Martini realizó el la imagen de la Virgen, reina de la ciudad, para que presidiera las deliberaciones y asuntos de estado.

Simone Martini: Virgen en Majestad rodeada por los  santos, Palacio Comunal de Siena

La imagen mariana se rodea de los santos patronos, los mismos que acompañan a la Madona en el altar de Duccio, teniendo a sus pies varios ángeles arrodillados.La Virgen ya no es la delicada silueta bizantina de Duccio, sino una elegante dama, con los cabellos rizados, ojos dulces y labios delicados. Porta  corona real, como las Vírgenes francesas a diferencia del modelo bizantino. Los santos y apóstoles que rodean a la Virgen del Consejo conservan la tradición de Duccio, con su calma aristocrática, apenas sin expresión anímica.

Los Hermanos Lorenzetti, Ambrogio y Pietro, también sieneses, realizaron obras marianas en las que se introduce el concepto de 'coloquio maternal'. Éste  se refiere a las expresiones de tristeza de madre e hijo al mirarse. Ambrosio interviene en el gran mural del palacio comunal de Siena en el que se representan Las alegorías del mal y buen Gobierno.

Ambrosio Lorenzetti: Pintura mural en el Palacio Comunal de Siena

La imagen de la ciudad, su ambiente, sirve de marco para introducir las alegorías, reencarnadas en personajes femeninos. Destaca la figura de la paz, prototipo de la belleza ideal del Trecento.

(Autora del texto del artículo/colaboradora de ARTEGUIAS:
Ana Belén Fernández)

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